Critiques de Colimasson

Wit Spirit, le tome 2… On prend une idée qui marche (Wit Spirit, premier volume) et on recommence. Entre la publication des deux volumes… aucune année ne s’est écoulée ! Jean-Loup Chiflet a simplement replongé dans ses cartons pour extirper quelques nouvelles citations qu’il n’avait pas jugé bon d’insérer dans le premier volume. Le grappillage à droite à gauche ne promet pas une pêche aussi miraculeuse que pour le premier volume. Empilées en vrac dans le livre, les citations ne sont plus classées en catégories. Tout juste distingue-t-on encore les traits d’esprits attribués à des illustres dont le nom pourrait éventuellement éveiller quelques souvenirs dans votre mémoire (les très connus Churchill, Woody Allen ou G.B. Shaw côtoient les moins exposés Gore Vidal, Lee Dawson ou Billie Burke) et ceux attribués aux « anonymes ». On imagine qu’il s’il s’agit là de propos entendus et rapportés par Jean-Loup Chiflet, mais on ne peut le certifier…

Quoiqu’il en soit, le Wit Spirit s’est un peu affaibli dans ce second volume. On trouve toujours des citations détonantes et absurdes comme on les aime (« Une pomme par jour éloigne le docteur…à condition de viser juste. » - Winston Churchill) mais de trop nombreuses d’entre elles se contentent de sonner à la manière de blagues éculées.

On remercie Jean-Loup Chiflet d’avoir fouillé dans ses cartons pour en extraire les dernières perles qu’il avait omis d’inclure dans le premier volume de son Wit Spirit. Toutefois, il aurait été préférable de les inclure toutes dans un seul et unique volume. Cette seconde publication laisse en effet un petit arrière-goût de déception, et le risque le plus regrettable serait d’associer ce sentiment à l’esprit de l’humour britannique. Les perles du nonsense ne se produisent pas à la chaîne, ce qui explique pourquoi il est légitime que les volumes de Wit Spirit ne se succèdent pas par dizaines les uns à la suite des autres.


Parmi les meilleures citations :


« On comprend facilement pourquoi les plus beaux poèmes sur l’Angleterre ont été écrits par des poètes qui vivaient en Italie. »
George Sanders


« Quand un homme dit des obscénités à une femme, c’est du harcèlement sexuel. Quand c’est une femme qui dit des obscénités à un homme, c’est 3,95 dollars la minute. »
Steven Wright

(dans le bon goût) :
« Chaque fois que je vois ces pauvres Somaliens à la télé, j’ai la larme à l’œil. J’aimerais moi aussi être aussi mince, mais si possible sans ces mouches qui leur tournent autour. »
Mariah Carey


« Quand un célibataire rentre chez lui, il regarde ce qu’il y a dans son réfrigérateur, puis va au lit. L’homme marié, lui, regarde ce qu’il y a dans son lit, puis va voir dans le réfrigérateur. »
Anonyme


« Ma femme et moi, nous avons connu trente ans de bonheur. Et puis nous nous sommes rencontrés. »
Anonyme

Qu’est-ce qui est le plus difficile ? Faire le deuil de sa planète natale ? Ou apprendre que, tout compte fait, elle n’a pas été détruite, et qu’elle continue toujours à abriter ses ouailles dans un coin perdu de l’Univers ?


Demandez ça à Arthur Dent, il vous répondra… même si lui-même n’a sans doute pas une réponse bien définie sur la question. Oui, la Terre existe toujours, et avec elle son lot de fous du volant qui méprisent le plus minable des auto-stoppeurs coincé sur le bord d’une voie rapide, sous le déluge. Alors qu’il croise une âme charitable qui accepte de le faire grimper dans sa voiture, Arthur Dent fait la connaissance de Fenchurch (rajoutez un nom improbable à votre longue liste des noms improbables déjà présents dans les tomes précédents). Il fallait bien que ça finisse par se produire… Nous sommes dans l’avant-dernier tome de la série, et Douglas Adams nous avait épargné jusqu’alors les traditionnelles histoires d’amour qui ne font pas avancer l’histoire mais qui offrent une touche de romantisme aux lecteurs accros au parfum d’eau-de-rose (on aimerait demander à ceux-ci : pourquoi êtes-vous venus vous perdre dans la lecture du Guide du voyageur galactique ?). Dans ce quatrième volume, impossible d’y échapper. Douglas Adams ne se contente pas de caler une légère allusion mielleuse entre deux pages qui détonnent d’une dérision réjouissante –non : il fait tourner l’intégralité de son récit autour de cette histoire d’amour étonnamment conventionnelle, pour ne pas dire niaise.


C’est accompagné de sa Fenchurch –dont le potentiel comique est nettement moins élevé que celui de l’androïde dépressif Marvin- qu’Arthur Dent va aller de (maigres) surprises en (rares) réjouissances. La technique qui permet de rater le sol, découverte dans le volume précédent, devient ici prétexte foireux à décrire les joies du transport amoureux. Les particularités du personnage de Fenchurch décrivent une jeune fille éthérée dont le seul ressort comique résulte de la confrontation avec la grossièreté généralisée du reste de l’Univers (mais qui paraît de manière bien amoindrie dans ce quatrième volume). Douglas Adams aurait-il essayé d’imiter le style de Barbara Cartland ?


Malheureusement, les personnages secondaires s’estompent au profit de cet ennuyeux couple et ne viennent pas relever le niveau des aventures. Douglas Adams offre toute la virulence de ses descriptions absurdes et déjantées dans les premières pages du livre. Le reste s’essouffle rapidement. Si Zola peut ennuyer pour ses longues descriptions monotones, Adams ennuie au contraire dans la succession des actions fadasses qu’il fait vivre à ses personnages.


On comprend pourquoi les dauphins se sont barrés de ce volume. Prochain départ annoncé, celui du lecteur ? Même si Douglas Adams a finalement réussi à me décevoir, arrivée à ce point de ma lecture de la « trilogie en cinq tomes », je suis bien trop attachée à son univers pour lâcher en si bon chemin. L’écrivain a réussi à s’attirer un capital sympathie qui résiste même aux plus grossières fautes de goût. Alors, espérons seulement que ce soit Fenchurch qui disparaisse du volume suivant… la qualité des aventures du Guide du voyageur galactique s’en ressentira certainement.


Quand même, quelques passages qui méritent le déplacement :

Quelqu'un a-t-il déjà goûté aux sandwiches anglais ?

Et si la faim régissait nos vies à notre escient ? Amélie Nothomb exploite cette idée dans Biographie de la faim où, une fois n’est pas coutume, elle reviendra sur les années de son enfance et de son adolescence, ajoutant du mythique à une légende déjà façonnée suite aux Stupeur et tremblements et Métaphysique des tubes.


Cette fois encore, Amélie Nothomb se définit comme personnage central de son roman et se dote de cette caractéristique qu’elle juge rare : la faim. Elle examine le mot et joue avec sa polysémie, abordant non seulement la faim comme manifestation biologique et appétence pour le sucré, mais aussi la faim comme curiosité intellectuelle, comme besoin d’amour, comme appétit de vivre et comme souffrance sublimée jusqu’à l’extase. La faim : la notion est tellement évidente qu’on se demande ce qu’il est possible d’en dire. Et pourtant, la faim serait une des sensations les moins éprouvées de la société occidentale, repue et gonflée jusqu’à l’explosion. Amélie Nothomb glorifie cette faim qu’elle a su reconnaître et cherche à la conserver toujours aussi virulente dans sa manière d’appréhender le monde. Cette sensation compose les différentes étapes de sa vie comme autant de mets aux saveurs nuancées.


La faim est à l’origine de chaque acte. Au Japon, la recherche frénétique du sucré est prétexte à la mise au point de ruses habiles et d’alchimies fantastiques. A New-York, l’ivresse des alcools se mêle aux ambiances excessives et musicales des soirées mondaines. A Pékin, la désertion du corps par l’anorexie ouvre les portes d’un horizon calme et désert consacré aux lectures effrénées et à la traduction de l’Iliade et de l’Odyssée. Amélie Nothomb ne délaisse jamais une faim pour une autre et se montre aussi inspirée lorsqu’il s’agit d’évoquer le plaisir de la manducation et du jeûne, l’extase des nourritures intellectuelles, ou le bonheur éclatant qui naît de l’absorption de l’amour de l’autre.

On peut croire ou non à la véracité autobiographique du roman d’Amélie Nothomb, mais limiter l’intérêt de sa Biographie de la faim à cette seule question serait aussi décevant que déjeuner dans un restaurant gastronomique alors qu’on souffre de sinusite. Tout ce qu’Amélie Nothomb écrit n’est peut-être –et certainement- pas aussi exact qu’elle le prétend, mais démêler le vrai du faux ou –mieux encore- accepter chaque étape rocambolesque de sa biographie comme on tolère les ruses des contes de fées, permet de jouir pleinement de l’originalité du regard qu’elle porte sur la vie, considérée comme un miracle ou, en tout cas, comme une aventure exaltante, aussi riche et variée qu’il existe de manières différentes de la déguster.

Comme j'ai particulièrement apprécié ce livre, je vous fais partager quelques extraits...

Puisqu'on parle de faim :

Et les théories qui en découlent :

Un éloge du goût :

Et des plaisirs un peu plus sophistiqués :

Un retour sur l'anorexie dont souffrit Amélie Nothomb :

Et des divagations chères à Amélie Nothomb, toujours réjouissantes :

Canetor n’a vraiment pas de chance. S’il aimait se plaindre, on pourrait le confondre avec Calimero. Même tête noire, seule la casquette a remplacé la coquille qui sert de couvre-chef à son cousin plaintif. Mais au fait, de quelles malédictions a-t-on assommé Canetor lors de sa naissance ? En voici une petite liste, loin d’être exhaustive :
- N’avoir pour seul amour qu’une Canetorette stupide, abreuvée aux conseils insipides de ses magazines féminins, et monomaniaque du ramassage de pâquerettes.
- Perdre encore espoir en la gent féminine à cause d’une sœur Canetorine hautaine et méprisante. Impossible de partager la moindre conversation avec elle car l’étroitesse de son esprit est telle qu’elle n’arrive à en extirper que de vieilles rengaines populaires («L’habit ne fait pas le moine ») avec lesquelles elle s’emmêle parfois les pinceaux (« Il faut manger pour être belle et non pas être belle pour manger »).
- Perdre les plus belles heures de sa journée à effectuer une profession insipide, mal considérée et mal payée.
- Etre poursuivi jusque dans ses rêves par les terreurs anodines de cette vie transparente, d’autant plus anxiogène que personne d’autre à part Canetor ne semble la trouver terrifiante.

Car, en effet, la pire des malédictions de Canetor est peut-être celle-ci : être le seul personnage canardesque un peu normal dans ce monde animalesque bigarré mais complètement crétin.

Canetor représente l’abnégation : lorsque tous s’agitent autour de lui, dans la réalisation de leurs actes les plus stupides, dans la profusion continue de leurs propos incohérents, lui s’immobilise et se tait. Pauvre petit canard se prend de plein fouet l’ingratitude, pour la plus grande joie des spectateurs alentours.

Dans les premières pages, la lecture est réjouissante. Le graphisme surprend agréablement et convient à l’expression atone du Canetor et aux figures stéréotypées de ses congénères. Les situations sont absurdes et rappelleraient presque l’humour des Monty Python. Mais n’exagérons pas : jamais ce pauvre petit canard ne parviendra à leur hauteur. Et au fil des pages, on commence à comprendre pourquoi… Canetor est mou, prévisible… même pas lâche (il aurait pu nous faire rire en tentant de s’échapper des situations saugrenues qui s’offrent à lui), il se contente simplement de ne rien faire. L’acharnement virulent dont il fait l’objet pourrait conduire à une infinité de réactions possibles, mais Canetor se contente d’attendre bêtement que l’on tourne la page et que l’on passe à une autre histoire où, une fois encore, il ne se produira rien.

Les dernières planches sont longues et se présentent dans la continuité du début de l’album. On a l’impression d’être confronté à des running-gags qui font leur effet une fois, deux fois, mais peut-être pas trois. Dommage, dommage : après s’être identifié au petit Canetor, après avoir eu l’espoir de trouver en lui un confident capable de comprendre notre angoisse à évoluer dans un monde qui paraît souvent indéchiffrable, on en vient à se détacher son stoïcisme surnaturel qui finit par faire de lui un vulgaire canard en plastoc.

Exemple de discussion avec la soeur Canetorette :

... et avec la petite amie Canetorine :

Des personnages secondaires frappés :

L’œuvre de Redon, galerie de monstres fantastiques, croisements merveilleux de polypes, de coquillages, de têtes cillées surmontées d’un unique œil globuleux, n’a cessé de provoquer des réactions passionnées depuis leur création jusqu’à maintenant.
Ses productions biologiques, fantasmagoriques ou monstrueuses, nous interrogent à bon escient sur la diversité de la vie et nous conduisent inéluctablement à imaginer ce qu’elle aurait pu être si le hasard avait pris une tournure différente. Mais peut-être, l’œuvre de Redon n’est-elle qu’une hypothèse cherchant à figurer la population de notre planète dans des temps lointains ou futurs…

Odilon Redon, né en 1840, a connu la publication de la Théorie de l’Evolution de Charles Darwin en 1859. En connaissance des ébranlements gigantesques qu’a provoqués ce livre, on est en droit de se demander quelle est la part d’influence de la théorie du scientifique sur l’œuvre du peintre… Odilon Redon, darwinien aguerri, explorant à travers ses créations les mystères de la vie biologique ?

Vincent Noce étudie le parcours du peintre, de sa naissance à sa mort, de sa prédilection pour le noir jusqu’aux peintures colorées de la dernière partie de sa vie, afin d’étudier les variations de son œuvre comme on observerait la métamorphose de la chrysalide en papillon. Il met ses dessins et peintures en relation avec les productions des artistes de son époque, qu’il s’agisse d’écrivains (Huysmans, Poe, Flaubert), de peintres (les Nabis, Delacroix, Moreau) ou de musiciens (Beethoven, Bach), et observe les résultats de ces influences en terme de créativité, d’inspiration et de métamorphose intellectuelle. Les découvertes scientifiques suscitées à la suite de la publication de la Théorie de l’évolution, les controverses et débats ayant lieu au sujet de ce livre, viennent ponctuer l’existence de l’artiste comme autant de détails anodins qui finissent pourtant d’éclairer les particularités de sa production artistique.

Une telle mise en perspective de l’œuvre d’Odilon Redon apporte un éclairage intéressant. Alors, l’influence du darwinisme n’est-elle que spéculation ou réalité déterminante ? Malgré un développement fouillé, bien que prévisible, la conclusion se veut tiède. En faisant de l’œuvre d’Odilon Redon une douce apologie de la création biologique, ses peintures et dessins perdent de leur fascinante étrangeté. Mieux vaut-il penser que le mystère de l’inspiration du peintre ne sera jamais totalement élucidé….


Les pensées et découvertes des scientifiques répondent souvent aux créations de Redon, et dans leurs descriptions, on se prend à imaginer ses dessins au fusain les plus connus :

Une analyse de Triste Montée :

Et l'observation de l'évolution du choix des couleurs dans l'oeuvre de Redon, où on passe de la noirceur du fusain aux couleurs :

« La matière huileuse contient un maléfice. Elle subjugue, elle retient obstinément devant le chevalet, chaque jour avec un nouveau tourment, et avec un nouveau ferment.»
Odilon Redon

« Peintre, allez donc voir la mer. Vous y verrez les merveilles de la couleur et de la lumière, le ciel étincelant. Vous sentirez la poésie des sables, le charme de l’air, de l’imperceptible nuance. Vous en reviendrez plus fort et remplis de grands accents. Poètes, allez voir ce rivage. Vous aurez à chanter le mystère de l’infini. Vous aurez sur ces bords la forte solitude… »
Odilon Redon